La mode inspire de plus en plus le cinéma en particulier le cinéma français. La France, pays du luxe, du chic et de la mode a trouvé à travers le cinéma son meilleur ambassadeur pour exporter son savoir – faire à travers le monde. De Coco avant Chanel à Lagerfeld Confidentiel, L’Amour Fou ou plus récemment Mademoiselle C (sur la rédactrice de mode, Carine Roitfeld), on ne compte plus les films et documentaires sur le sujet…

Jalil Lespert, comédien de talent devenu aussi un cinéaste à suivre (depuis son brillant et poignant Des Vents contraires) passe derrière la caméra pour évoquer le souvenir de celui qui se cachait derrière ces 3 lettres, YSL, aujourd’hui devenu l’emblème du chic.

De la Robe Mondrian (1965) au premier smoking pour femmes (1967) ou au premier tailleur-pantalon (1971), Yves Saint Laurent, avant-gardiste de génie, a révolutionné la haute-couture et le vestiaire féminin de la femme d’hier et d’aujourd’hui.

A voir tous ces biopics (français) souvent trop respectueux ou trop éloignés de leur sujet, YSL est-il un bon film ? Et après tous ces films sur la mode, bien trop souvent lisses et conformistes, on pourrait se demander si un bon personnage suffit à faire un bon film?

Passons outre la guerre des films consacrés à celui qui est aujourd’hui devenu l’emblème du chic et de la haute couture et qui oppose celui-ci, autorisé par Pierre Bergé, à celui non autorisé de Bertrand Bonello avec Gaspard Ulliel.

Soyons clairs, la version de Jalil Lespert, c’est la vision de Pierre Bergé (incarné par Guillaume Gallienne), l’homme de l’ombre, celui qui lui restera fidèle jusqu’à son dernier souffle malgré les infidélités, égarements, trahisons et tromperies. Le film se penche plus particulièrement sur la relation intime, quasi paternelle, de YSL avec celui qui, en coulisses, gère de main de maître la prestigieuse entreprise.

YSL, et c’est en ça qu’il gagne en force et en sincérité, évite l’écueil d’un film convenu et polissé à la gloire de son sujet.
Loin de se limiter à un portrait avantageux à la gloire du couturier français, le film, parfois sans concession, évoque une personnalité aussi fascinante que complexe, difficile à vivre, avec ses forces mais ses faiblesses aussi.
Le film décrit le côté obscur et les excès du jeune couturier, une personnalité trouble souvent en souffrance, alcoolique et caractériel, se perdant dans les bas-fonds de jeux sadomasochistes ou la drogue.
YSL, grand timide aux tendances maniaco-dépressives ne trouvait finalement son expression que dans ses dessins et ses robes: grand insatisfait, en doute perpétuel, il n’était heureux que 2 fois par an, au moment des collections, à l’automne et au printemps.

Le film pourra certes diviser car s’il parvient à restituer l’atmosphère des différentes époques au fil des défilés et collections, il manque et c’est peut-être là son défaut, de vraie tension dramatique d’où un vague sentiment d’ennui.
Mais si tout le monde doit être unanime sur un point, c’est sans aucun doute concernant le jeu de Pierre Niney dans la peau du créateur, un rôle sur mesure pour celui qui incarne avec talent la folie du prince de la mode.

Le compte à rebours de la célébrité a débuté pour Niney et on devrait très bientôt n’entendre parler que de lui dans ce rôle qui lui va comme un gant tant il restitue avec justesse le physique, la gestuelle, la diction un peu précieuse, ce phrasé si particulier, cette allure qui rappelait celle des séminaristes de ce grand timide qu’était Yves Saint Laurent.

L’acteur, malgré son jeune âge (à 24 ans, il est le plus jeune pensionnaire de la Comédie- Française), parvient à incarner 20 ans de la vie du maître, de ses débuts comme assistant chez Dior à sa première maison de couture à 26 ans jusqu’au mythique défilé « Opera – Ballets Russes » en 1976.

Il y a dans ce YSL comme un goût d’inachevé, le scénario s’effaçant totalement derrière la (quoique extraordinaire) performance de Niney.
Il y est finalement, contre toute attente, peu question de mode mais principalement de la relation entre deux hommes un peu comme si le film passait finalement à côté de son sujet…

Sortie en France le 8 janvier 2014.

Lorraine Lambinet

Le tout Hollywood s'est retrouvé une semaine durant, du 14 au 20 Octobre 2013, non pas à Cannes, Toronto, Venise ou Deauville mais à Lyon, la ville natale du cinématographe, qui inscrit désormais son Festival Lumière comme un événement d'envergure internationale.

Avec 265 séances et 95 000 spectateurs (soit une augmentation de la fréquentation de 20% par rapport à l'édition 2012 et presque le double par rapport à sa première édition en 2009) cette 5 ème édition donne toute sa dimension à ce festival entièrement dédié aux films du patrimoine. Son enjeu, mettre en valeur le cinéma du passé, loin d'être au départ évident, confirme aujourd’hui avec succès l'avenir prometteur d'un cinéma classique qui se refait une nouvelle jeunesse auprès d'un nouveau public.

Après Clint Eastwood, Milos Forman, Gérard Depardieu et Ken Loach c'est le cultissime Quentin Tarantino qui a reçu le Prix Lumière le 18 octobre dernier à Lyon.

Si le festival récompense ainsi chaque année un cinéaste pour l'ensemble de son œuvre, il récompense aussi le lien que celui-ci entretient avec l'histoire du cinéma.

A tout juste 50 ans et 8 films à son actif, Tarantino est certes le plus jeune lauréat mais le festival ne pouvait finalement rêver meilleur ambassadeur tant le cinéaste est un passionné de cinéphilie, collectionneur de pellicule et un fervent défenseur du cinéma classique. A cette occasion, le cinéaste a aussi été fait Commandant des Arts et des Lettres par la Ministre de la Culture Aurélie Filippetti.

« J’aime le fait d’être récompensé pour l’ensemble de ma carrière à mon âge! Cela ne m’arrive qu’en France! (Rires) ».

Et c’est sûr, le Festival Lumière va comme une caméra à Tarantino tant le cinéaste est à lui seul, une mémoire vivante du cinéma.

Après avoir décliné à 4 reprises (agenda oblige), Tarantino a répondu présent à l'invitation de Thierry Frémaux (Délégué Général du Festival de Cannes et Directeur de L'institut Lumière, organisateur du festival) et s’est ainsi montré d’une générosité et d’une authenticité rare.

C'est ainsi loin du protocole et des mondanités que Tarantino a bousculé les habitudes se montrant toujours accessible et proche de son public.

Car Tarantino en bon passionné qu’il est, ne s’est pas simplement déplacé pour prendre son prix, faire son speech et s’en retourner aux Etats-Unis.

Il est le premier Prix Lumière à avoir ainsi investi le festival dès son ouverture et ce, jusqu'à sa clôture, n'hésitant pas à serrer la main à chacun des bénévoles de la manifestation ( ils étaient pas moins de 300 cette année) mais aussi à aller dans tous les cinémas de la ville, présenter ses films, mais également ceux qui lui sont chers, ceux de sa cinéphilie, ceux des autres ...

Cette année, le premier spectateur du festival était aussi son invité d'honneur qui n'a pas manqué d'aller saluer son idole Jean-Paul Belmondo présent pour UN SINGE EN HIVER de Henri Verneuil, la séance d’Ouverture du Festival (on connaît sa passion pour le film LE DOULOS et pour Jean-Pierre Melville qui a influencé ses premiers films).

Il est aussi allé embrasser Claudia Cardinale, l'actrice italienne à qui il doit « ses premiers frissons érotiques » dans IL ETAIT UNE FOIS DANS L’OUEST de Sergio Leone.

Certains films dans le cadre d'une carte blanche, avaient même été programmé spécialement pour lui, l'occasion de voyager à travers la culture et les goûts de ce cinéphile passionné qui a déclaré avec humilité :

´Les gens qui aiment passionnément le cinéma ne peuvent faire que de bons films ...'

A son programme, quelques perles de son panthéon personnel comme VOYAGE AU BOUT DE L’ENFER de Michael Cimino (que le cinéaste a vu six fois de suite à sa sortie et jamais depuis ), LE SPECIALISTE de Sergio Corbucci ( dont il s'est inspiré pour son film DJANGO UNCHAINED ), l’improbable et surprenant film de Nick Grinde HITLER DEAD OR ALIVE ( qui lui inspira INGLORIOUS BASTERDS) ou LE VOYOU de Claude Lelouch, cinéaste auquel Tarantino a témoigné toute son admiration pendant la présentation du film au public :

« LE VOYOU, c’est PULP FICTION, 25 ans avant ! »

Du moins averti au plus cultivé, du plus jeune au plus vieux, jamais encore le festival n'avait touché un public aussi large comme si sa devise " un festival pour tous " prenait cette année tout son sens.

A ceux qui reprochaient le côté trop élitiste de la manifestation, Thierry Frémaux a offert un festival pour les amoureux de tous les cinémas...et généré un engouement populaire encore jamais atteint lors des précédentes éditions.

Sur les 38 écrans de cinéma du Grand Lyon, on aura croisé avec éclectisme, Ingmar Bergman (à l'honneur à travers une rétrospective ), Pierre Richard, Henri Verneuil, Michael Cimino ( cinéaste maudit revenu de l'enfer grâce à l'Institut Lumière ), Les Monthy Python, Miyazaki ( dont LE VENT SE LEVE, IL FAUT TENTER DE VIVRE a été présenté en avant-première française ) Brian De Palma, Hal Ashby ( cinéaste qu'on avait oublié, réalisateur de HAROLD ET MAUDE, son film le plus célèbre).

Une 5eme édition finalement à l’image de son invité d’honneur, tarantinesque, électrique et passionnée, comme l'a prouvé sa remise du prix, sans conteste le point d'orgue du festival.

C’est accompagné de "sa famille de cinéma" comme il se plait à l'appeler que Tarantino a reçu son prix :

Ce soir là, Mister White et Mister Orange mais aussi Shosanna Dreyfus ou Black Mamba ont chacun, de manière très personnelle et sincère, rendu un hommage au réalisateur américain.

Avec gratitude pour Harvey Keitel qui a remercié les deux hommes qui ont bouleversé son existence et a ainsi rappelé combien Tarantino a compté dans sa carrière tout comme Bertrand Tavernier, Président de l'Institut Lumière ( lui-même très ému lorsque que Keitel a évoqué le souvenir de la MORT EN DIRECT et la confiance qu’il lui apporta alors qu’il n’était plus du tout « bankable » après son éviction du tournage de APOCALYPSE NOW… ).

Tim Roth quant à lui, a évoqué le tournage de RESERVOIR DOGS, son premier film hollywoodien, pour lequel il a quitté son Angleterre natal et passé tout le tournage dans…une mare de sang !

La remise s’est poursuivie en musique avec Mélanie Laurent qui a repris Bang Bang (My baby Shut me down) de Nancy Sinatra (sur Bande Originale de KILL BILL) puis a entamé une danse endiablée avec Tarantino donnant à la manifestation des petits airs cannois…

Harvey Weinstein (fondateur de Miramax Films et de la Weinstein Company, 2 sociétés de production dont la carrière de Tarantino est indissociable) a expliqué comment Tarantino avait changé leur vie :

"Miramax, ma première compagnie, est celle que Quentin a construit, The Weinstein Company, ma deuxième compagnie, est celle que Quentin a sauvé "

Très glamour, c’est Uma Thurman, la reine de la soirée, qui a remis son prix au lauréat, rappelant son attachement et son respect au cinéaste qui l'a fait tourner 3 fois.

« Quentin, ton cinéma est une explosion de dynamites. Il a été une explosion dans le cinéma, dans l’art…L’extravagance de ton expression, de tes rêves, de tes observations et parfois de tes cauchemars sont celles de la Justice, la Liberté, ta lutte contre l’oppression, pour le courage et plus encore pour l’amour et la passion ! »

Amour et passion étaient donc au rendez-vous de cette soiréee, sans oublier la touche d'humour du lauréat lorsque celui-ci est venu sur scène recevoir son prix. Il n’a pas oublié de remercier les Frères Lumière mais aussi … leurs géniteurs :

"Je ne sais pas ce que je ferai aujourd'hui si les parents des frères Lumière ne s'étaient jamais rencontrés ...".

Et si, il a remercié la famille Lumière, c’est sans oublier la sienne:

" Moi qui n'ai pas de famille (Tarantino n’a jamais connu son père), ma famille elle est ici, autour de moi".

" Ma famille, ce sont les gens qui sont sur cette scène. Ainsi que vous!"

Juste avant de conclure :

"Le cinéma est ma religion, la France, mon Vatican"

Cette année, l'événement n'était pas seulement dans les salles ou sur l'écran mais aussi dans les rues lyonnaises...

Le cadeau d'anniversaire à cette 5eme édition (mais aussi aux 30 ans de l'Institut Lumière) c'était le remake de La Sortie des Usines (réalisé par les frères Lumière en 1895 ), premier film de l'histoire du cinéma, réalisé par des Tarantino, Cimino et Schatzberg, ce 19 octobre 2013, à l'endroit même oū il a été tourné (Rue du Premier Film) et oū le Cinématographe a été inventé (L’Institut Lumière).

Cet hommage à la naissance du Septième art ne pouvait rêver meilleur casting avec pas moins de 80 figurants dont parmi eux, un chien, un vélo (celui de Thierry Fremaux) et Claude Brasseur, Clotilde Courau, Emmanuelle Devos, Richard Bohringer, Françoise Fabian, Vincent Perez, Arielle Dombasle, Bertrand Tavernier, Marie Gillain, Tahar Rahim, Leila Bekhti, Christophe Lambert, Laurent Gerra, Clovis Cornillac, Elsa Zylberstein,Tim Roth, Julie Gayet, Harvey Keitel et son jeune fils, Clotilde Hesme, Tony Gatlif, Léa Drucker, Fatih Akin, Agathe Bonitzer, Gaspar Noé, Irène Jacob, André Dussolier, Radu Mihaileanu, Virginie Efira, Rachid Bouchareb ...

On conclura simplement avec les mots du président de l'Institut Lumière, Bertrand Tavernier, qui résument assez bien cette édition exceptionnelle :

" Merci Quentin, d'avoir électrisé ce festival ! "

Lorraine Lambinet

Avec LA VIE D’ADELE, qui a reçu la Palme d’Or, la première depuis ENTRE LES MURS de Laurent Cantet en 2008, le cinéma français a prouvé qu'il brillait encore et rayonnait toujours.

Véritable surprise cannoise, il n’était pas du tout certain que le puritain président américain apprécie le film (Rappelons que le film de Soderbergh, jugé « trop gay » a été privé de sortie en salles aux USA. A défaut, il a été financé et diffusé par la chaîne HBO) et pourtant Steven Spielberg a bien été touché par ce film qu’il a définit précisément et justement comme « une bourrasque assez décoiffante »…

Il est fort à parier que le film, au vu des scènes de sexes très explicites, connaîtra certainement une interdiction voire une censure lors de sa sortie en salles aux USA mais deviendra malgré tout et sans aucun doute, un film culte comme l’a été, il y a 20 ans, le polémique film de Cyril Collard.

En 1992, LES NUITS FAUVES est le premier film à rendre accessible aux spectateurs la réalité d’une maladie à l’époque encore taboue. Malgré sa polémique, Il est aujourd’hui, devenu un film symbole et le film culte de la génération Sida.

LA VIE D’ADELE est le genre de film qui réjouit mais peut gêner aussi:

C'est l’histoire de Adèle et de sa rencontre avec Emma, 2 jeunes femmes adolescentes qui connaîtront l'une pour l'autre une passion brulante et fugitive.

Certains ne manqueront d'ailleurs pas de rapprocher la médiatisation du film et son accueil très positif auprès du public et de la presse (rarement, un film n’aura fait autant l’unanimité sur la Croisette) à l'actualité politique et les polémiques autour du mariage pour tous.

Hasard ou Coincidence de l’actualité, le jour de sa récompense à Cannes, le dimanche 26 Mai avait lieu à Paris, une manifestation contre le mariage pour tous… Quelques jours, plus tard, le 29 mai, à Montpellier, était célébré le premier mariage homosexuel.

Certains se demanderont si le Jury de Spielberg a voulu avant tout récompenser un film de son époque qui s'inscrit dans l'air des passions actuelles, celles de son époque, des droits, des lois, de l'homosexualité...Mais c’est certainement un faux débat car LA VIE D’ADELE n’est ni un film militant, ni un film politique et encore moins un « film mode » qui serait fatalement condamné à se démoder.

Si cette année, sur la Croisette, il y avait 3 films qui abordaient l'homosexualité ( avec L’INCONNU DU LAC de Alain Guiraudie ou MA VIE AVEC LIBERACE de Soderbergh) c’est sans aucun doute le plus beau film qui a été récompensé et qui est selon le Président du jury :

"Une très belle histoire, un amour magnifique auquel tout le monde peut s'identifier, peu importe la sexualité".

10 ans après, L’ESQUIVE, Kechiche aborde à nouveau les sentiments, désirs et tourments adolescents à travers cette histoire, celle d'une rencontre, d'un amour, d'une séparation au-delà de toute homosexualité. Si Kechiche évoque l'homosexualité, c’est seulement entre les lignes et toujours avec une très grande délicatesse, restant essentiellement axé sur cette histoire comme n’importe quelle histoire d’amour.

Plutôt que de faire un film sur la différence, il la normalise. Dans son cinéma, L'amour est plus fort que tout, au-delà des différences.

Sociologue un peu, cinéaste sûrement, il aime confronter ses personnages les uns aux autres, jouer avec les classes sociales.

Tout les oppose, pourtant Emma, l'artiste ( Léa Seydoux), va aimer Adèle, la prolétaire ( Adèle Exarchopoulos.

Le triple prix exceptionnel décerné par le Jury au réalisateur et à ses deux actrices (que Spielberg a tenu à associer au film) semblait une évidence tant le film repose sur ses deux actrices. 3 jours après sa projection au Palais, on ne parlait que d’elles, de Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos et de ce film certes cru, cruel et brûlant mais qui restait un véritable choc émotionnel.

Formidable découvreur de talents, Kechiche, après avoir révélé Hafsia Herzi (Meilleure actrice au Festival de Venise et Meilleur espoir au César pour LA GRAINE ET LE MULET) ou Sara Forestier (César du Meilleur Espoir pour L’ESQUIVE), nous offre deux actrices, les deux plus grandes révélations du Festival.

Et à ceux qui reprochaient leur absence de la sélection (vain et sempiternel débat qui revient chaque année sur la Croisette), ce sont finalement bien elles, les femmes, qui à travers ce formidable portrait de la jeunesse d’aujourd’hui, ont été récompensées.

A la fois, touchant, charnel et amer, c’est certainement l’un des plus beaux éloges de la femme et de la passion à travers cette formidable chronique érotique et sensuelle sur le trouble adolescent et la construction de soi.

Cinéaste naturaliste (on le compare souvent à Pialat), cinéaste de l’intime aussi, l'émotion du film tient à la réalisation de son cinéaste et à son réalisme, à la fois troublant et saisissant. Filmées de très près, les actrices s'offrent entièrement à leur metteur en scène, apportant au film sa dimension charnelle.

Car Kechiche, malgré les diverses polémiques, aime ses actrices et il aime s’y attarder, longuement, les filmer au plus près, longtemps, jusqu’à dessiner une sorte de cartographie composée de gros plans, des tableaux transformant ses personnages en de magnifiques abstractions picturales.

Mais c’est avant toute chose ( ce qui pourrait aussi rebuter et mettre à distance certains spectateurs) un film libre dont le caractère interminable des scènes et la dilatation temporelle est la signature stylistique de tous les films de ce réalisateur.

Des films qui s’attachent à ses personnages, leurs visages et leurs larmes, au moindre de leurs paroles, de leurs mouvements ou de leurs gestes comme celui discret de Adèle qui remonte chaque matin son pantalon, se recoiffe, sa manière de marcher ou de manger.

Tous les films de Kechiche, de LA VENUS NOIRE à LA VIE D’ADELE, sont des conversations physiques, un langage des corps, un corps à corps qui met en scène une partie du corps en particulier. On se souvient de la dégustation goulue du couscous dans LA GRAINE ET LE MULET. Ici, les gros plans dont la bouche et ses plaisirs est l’épicentre du film. Chez Kechiche, les plaisirs physiques, du ventre et de la chair ne vont pas sans les plaisirs de l’esprit, des arts et de la culture.

Le film rend un vibrant hommage à la passion amoureuse mais rend hommage aussi à une autre passion celle de l’enseignement, de la littérature ou des beaux-arts. La passion et la vocation sont d’ailleurs les moteurs principaux de ces deux femmes.

Chez Kechiche, il n’y a pas d’amour sans art qu’il soit littéraire ou culinaire. Adèle et Emma parlent de livres, de Sartre et de philosophie, de peintures mais aussi de fruits de mer ou de pâtes bolognaises…

Lorraine Lambinet

Quel est le point commun entre LE PÈRE NOËL EST UNE ORDURE de Jean-Marie Poiré et LE SOUPER de Edouard Molinaro?

A priori aucun, hormis le fait que à l'origine, ce sont tous les deux des films adaptés de pièces de théâtre.

Et quand le théâtre fait son cinéma, de plus en plus source d'inspiration pour les réalisateurs, cela donne des succès aux box-office comme CARNAGES de Roman Polanski ( d'après la pièce de Yasmina Reza ) ou LE PRÉNOM adapté au cinéma par les auteurs de la pièce, Alexandre de La Patellière et Mathieu Delaporte.

Ce matin du 22 aout 2013, à deux pas de la Place Vendôme, un char américain Sherman entouré de véhicules militaires manœuvre Rue Castiglione. À quelques jours de la date anniversaire de la Libération de Paris, Volker Schlondorff, le plus francophile des cinéastes allemands, vient d’entamer le tournage du film DIPLOMATIE qui se déroulera à Paris jusque fin septembre.

Adapté de la pièce de théâtre à succès de Cyril Gely, le film réunit André Dussollier et Niels Arestrup, le brillant duo qui a joué plus de 200 fois la pièce sur scène.

L’action se situe dans la nuit du 24 au 25 Aout 1944 à l’Hotel Meurice, Rue de Rivoli, les alliés arrivent aux portes de Paris, avides de la ville reprendre aux nazies qui l’occupent depuis 4 ans.

DIPLOMATIE est un face à face en huis-clos entre deux hommes, le Général Allemand Von Choltitz qui, sous les ordres d’Hitler s’apprête à faire sauter Paris et le Consul Raoul Nordling qui va user de toutes les armes de la diplomatie pour tenter de l’en dissuader.

La rencontre est certes fictive mais le contexte historique, lui, est exact.

Là où chacun de nous, sait que le Général va outrepasser ses fonctions et que Paris ne sera finalement pas détruit, DIPLOMATIE excelle avant tout, par la qualité de son texte et la complexité des rapports humains. Un texte qui repose sur un duel formidablement dramatique dont l'enjeu est l'avenir de Paris, porté par l’interprétation de 2 acteurs remarquables qui suffit à nous rendre intense cette fameuse nuit. L'oeuvre de Cyril Gely est avant tout une étude de caractères éloignée de tout manichéisme ou de clichés qui repose sur l'antagonisme des 2 personnages.

Tour à tour, adversaires et complices, les deux hommes se livrent à une joute verbale entre ruse, humour et finesse.

Après le refus de l'hôtel Meurice ( quartier général des forces d'occupation Allemandes et logement de fonction du général Von Choltitz pendant l'Occupation ) de recevoir le tournage, celui-ci se poursuivra pendant 5 semaines en Studio oū l'intérieur feutré de la suite du grand hotel parisien sera pour l'occasion entièrement reconstituée.

On a hâte de découvrir l’adaptation au cinéma de ce somptueux face à face en huis-clos réalisé par le réalisateur du film LE TAMBOUR ( Palme d'Or ).

Né en 1939, le cinéaste allemand, passé maître dans les adaptations ( L’Honneur perdu de Katharina Blum, Le Tambour,) a toujours manifesté à travers ses films un intérêt pour l’histoire, la guerre ( la seconde ) et l’après-guerre.

Avec DIPLOMATIE, Volker Schlondorff sera même le premier réalisateur allemand à faire un film sur l’Occupation.

Se sera plus précisément, la seconde fois, après sa fiction télé, LA MER À L'AUBE où il dresse à travers cette méditation sur l'être humain, en proie aux doutes, un portrait plus complexe que caricatural de l'allemand. Entre les vicissitudes du pouvoir et les heures sombres de l’histoire, Schlondorff retrouve à travers ce film, ses thèmes de prédilection.

On espère que le film, coproduction franco-allemande, produit et distribué par Gaumont restera fidèle à ce texte, d'une excellente qualité et que l'unité de lieu et de temps qu'impose l'œuvre saura trouver sa place sur grand écran.

En attendant la sortie du film en salles, voici les quelques photos prises, le jour du tournage, Rue Castiglione où pour l'occasion l'entrée de l'Hotel Meurice, pourtant à proximité, avait été reconstituée par les décorateurs.

Ce jour-là, la scène filme le Général allemand en état d'arrestation devant son QG sous les injures et les crachats des parisiens. Dans l'ombre, le Consul qui vient de passer la nuit entière avec le Général, arrête le geste d'un passant sur le point de jeter une pierre au Général vaincu...

Lorraine Lambinet

Fort du succès planétaire de la saga Pirates Des Caraïbes, le tandem Gore Verbinski - Johnny Depp revient avec un western complètement barré toujours signé Disney et produit par Jerry Bruckheimer.

Depuis ( déjà) une décennie Johnny Depp porte sur ses épaules l'une des franchises les plus rentables d'Hollywood. Et aujourd'hui, le pirate aux millions de dollars, semble ne signer que des films dignes des plus grandes attractions du parc aux grandes oreilles et uniquement destinés aux - de 15 ans...

En Jack Sparrow, Chapelier Fou ( il tournera bientôt la suite de Alice ) ou encore en Willy Wonka ou en Magicien d´Oz ( c'est lui qui était pressenti pour incarner le personnage de James Franco mais pas conciliable avec le tournage de Lone Ranger), les films de Johnny Depp ( même si on les aime! ) s'adressent davantage à nos enfants et malheureusement de moins, à nous, adultes qui l'avons découvert, il y a 25 ans dans 21 Jump Street puis Arizona Dream ou Dead Man...

Depuis bientôt 10 ans, chaque nouveau film de Johnny Depp me questionne:

Aurions -nous à ce point vieilli et perdu notre âme d'enfant ?

Avec LONE RANGER, le héros de notre enfance qui vient de fêter ses 50 ans, prouve que non!

Lone Ranger reste un divertissement estival mais qui ravira ( enfin ) petits ...et grands!

L'été 2013, ne sera pas l'année de tous les succès mais celui de tous les dangers. Après les échecs de MAN OF STEEL ( ma critique ), STAR TREK INTO DARKNESS, PACIFIC RIM ou WOLVERINE, l'été s'annonce particulièrement meurtrier pour les studios hollywoodiens et leurs blockbusters.

Mais si le public américain est passé à côté de Lone Ranger ( aux USA, le film est considéré comme le bide de l'été ) croyez - moi, il est bien loin d'être un mauvais film à comparer avec les productions du moment, sans fraicheur ni originalité, qui nous servent du Super-Héros à toutes les sauces...

Il est contemporain de Superman ( tous deux crée en 1933 ), il porte un masque mais ce Lone Ranger n'est pas un super héros, ni le héros de multiples suites ou reboots ( du moins pour le moment...).

Loin du super héros à la mode que Gore Verbinski prend d'ailleurs un malin plaisir à tourner en dérision ( à travers le masque dont tout le monde se moque ), ce héros là ne vole pas et n'a pas de super pouvoirs. C'est un héros, un vrai, qui se situe davantage du côté d'un Robin des Bois ou d'un Zorro version western: un cowboy masqué qui va parcourir le Grand Ouest monté sur Silver, son cheval blanc et accompagné de Tonto, l'indien, afin de faire régner la Justice et défendre la veuve et l'orphelin.

Après, The Brave ( seul et unique film réalisé par l'acteur ) et Dead Man, Johnny Depp incarne Tonto de la tribu comanche et endosse pour la 3ème fois de sa carrière le rôle d'un indien, comme pour rendre hommage à ses racines et origines Cherokee. Les pitreries et mimiques rappellent certes un peu celles de Jack Sparrow mais cela n'est pas pour nous déplaire.

Et si Armie Hammer rime parfaitement avec Lone Ranger, c'est tout simplement parce que ce rôle lui va comme un gant. Celui qui aurait pût être facilement éclipsé face à Johnny Depp confirme sa "naissance" sur grand écran et se révèle être le nouvel "héros" du cinéma américain. Révélé dans THE SOCIAL NETWORK ( il incarnait les jumeaux ) et plus récemment en prince Andrew Alcott dans BLANCHE NEIGE, on risque d'en entendre beaucoup parler...

La dernière production Disney nous offre un casting de choix et des aventures originales qui vous changeront des super héros, sequels, prequels ou autres reboots qui monopolisent actuellement les écrans ( en 2013, on compte pas moins de 13 suites et autant de franchises). Certes, Lone Ranger est une énième franchise mais elle est encore, pour le moment, complètement étrangère en France.

Figure majeure de la culture populaire américaine ( qui existe sous forme de dessin animé, feuilleton radiophonique, série télévisée et 5 adaptations cinématographiques ...) ce nouvel héros qui débarque est aussi peu connue en France que culte au pays de l'Oncle Sam.

Truffé d'humour et d'actions, les ados en vacances vont adorer ( surtout si ils jouent encore aux cowboys et aux indiens) et comme c'est aussi un beau voyage au coeur du Far West américain ponctué de petits clins d'œil sympas, le film ravira les parents aussi.

Aussi survolté, aventurier et halluciné que RANGO (que j'avais personnellement adoré), j'ai trouvé les deux univers assez proches.

Tout aussi inventif, référencé, drôle et intelligent, on y retrouve la même maturité du propos couplé au sens de l'absurde qui plaira aux adultes.

Lone Ranger est tout d'abord un bel hommage aux plus grands westerns classiques, genre auquel Gore Verbinski redonne un bon coup de fouet comme il l'a fait aux films de pirates et qui pourrait pourquoi pas, attirer les fans du genre....

Et puis depuis DJANGO UNCHAINED, le film de tous les records et le plus gros succès de Tarantino en France, le western a prouvé qu'il avait son public.

Si les méchants sales et grimaçants semblent tout droit sortis d'un western spaghetti c'est que Verbinski est un fan absolu du genre.

On se souvient que dans l'excellent RANGO ( dont chaque plan était un hommage à IL ETAIT UNE FOIS DANS L'OUEST et à Sergio Leone à travers les personnages de "Jack La Morsure" qui épouse les traits de Lee Van Cleef ou de "L´esprit de l'Ouest" qui n'était pas sans rappeler Clint Eastwood) Verbinski lui avait déjà redonné ses lettres de noblesses et prouvé que le genre n'était définitivement pas mort.

Digne d'un bon western, le film nous embarque dans des décors grandioses, ceux de Monument Valley qu' un certain John Ford immortalisa à travers 7 de ses films.

Le film débute par une belle mise en abyme à travers un petit garçon, déguisé en cowboy, qui dans une fête foraine ( lieu qui n'est pas sans nous évoquer le cinéma des origines) va rencontrer Tonto, l'indien, et découvrir la légende de Lone Ranger pour découvrir, à travers elle, les origines et l'histoire des Etats-Unis.

Et si Hollywood n´a pas toujours montré les amérindiens sous leur meilleur jour ( souvent réduit à l'image du bon sauvage ou du faire - valoir comme c'estd'ailleurs le cas dans le Lone Ranger original ), le film tant à faire changer les mentalités, à travers cette amitié entre un cowboy et un indien. Lone Ranger honore et rend hommage aux indiens, ces pionniers oubliés des Etats-Unis d'Amérique mais aussi aux inventions.

L'un des personnages principal du film est Le Transcontinental, ce train qui traversera bientôt tout le pays. Le tracé du train, qui incarne le progrès, est le fil conducteur du film. La moitié du film se déroule à son bord ou sur son toit, sans oublier le colossal de la scène finale, totalement maîtrisé avec 15 minutes de grand spectacle comme sait nous en offrir Verbinski mais je ne vous en dit pas plus...Si ce n'est:

Laissez-vous raconter cette histoire et redevenir, le temps de ces quelques 140 minutes, un enfant...Sachez que si vous embarquez pour la dernière production Disney, le voyage risque d´être un peu long ( je reprocherai au film, 20 minutes de trop) mais au vu de la qualité des blockbusters de ce mois de juillet, elle tire largement son épingle du jeu!

Lambinet Lorraine