Onze ans après le plus grand succès cinématographique de tous les temps, Sam Mendes réunit le couple titanesque, Leonardo Di Caprio – Kate Winslet dans un drame au réalisme bergmanien, celui d’un couple qui lutte contre l’issue fatale qu’est le conformisme et l’aliénation du quotidien. Le conformisme, est l’un des thèmes de prédilection du réalisateur révélé au grand public avec American Beauty. Si la promotion du film repose essentiellement sur un casting loin d’être anodin (jugez plutôt l’affiche des Noces Rebelles avec celle de Titanic. Même position, même geste ce qui ne laisse aucun doute sur le parallèle entre les deux fictions ) l’intention est ainsi  volontaire et assumée.

Autre détail qui a aussi son importance : si Sam Mendes et Kate Winslet sont mari et femme à la ville, il ne s’agit pas d’un simple détail people pour alimenter notre soif d’indiscrétion. Bien au contraire, l’union du réalisateur avec son actrice sert le film et son propos et au passage offre à celle-ci un de ses meilleurs rôles, celui qui lui permet de révéler toute l’ampleur de son talent (sacrée meilleure actrice aux derniers Golden Globes et nominée  aux prochain Oscar).  Avec Les Noces Rebelles, Sam Mendes est à Kate Winslet ce qu’ un Cassavetes pût  être pour une Gena Rowlands, une sorte de révélateur, une alchimie où les talents conjugués du réalisateur et de l’actrice transcendent l’écran pour nous offrir ces moments rares d’intensité vraie.  Gena Rowlands, sous la direction de son mari, tournera trois de ses rôles majeurs et remportera de nombreuses récompenses ( Une femme sous influence, Gloria, Opening night). La relation entre le réalisateur et son actrice donne aux plans rapprochés de Gena Rowlands filmés par son mari, une dimension particulière pour ne pas dire  troublante. Tournés caméra à l’épaule, de façon quasi documentaire avec de longs plans-séquences, ces films sont des hymnes à l’amour, des déclarations ouvertes à l’actrice et à la femme. Celui qui commença sa carrière cinématographique en tant qu’acteur (il fondera même un atelier théâtral à New York, le variety art Studio) n’aura de cesse de déclarer son amour à travers ses films et ce jusqu’au dernier. Love Streams restera son film testament pour celui qui, au moment du tournage, se savait malade. La dernière apparition du cinéaste à l’écran, murmurant à Gena Rowlands « tu es la seule que j’aime » gardera éternellement cette intensité particulière.

Dans Les Noces Rebelles, on retrouve la plupart des thèmes et figures qui ont nourri le cinéma de Cassavetes celui du couple, la relation entre époux, de la famille, les scènes de ménages récurrentes, les personnages à la dérive.  

Excepté la mise en scène amoureuse de Sam Mendès, l’autre vraie réussite et originalité du film repose essentiellement sur le choix de l’acteur sans qui le film aurait été bien différent si ce n’est moins bon.

Avec Leonardo Di Caprio, nous retrouvons ainsi, les inoubliables Rose et Jack, le couple légendaire du plus grands succès de tous les temps, celui du film de tous les records :11 Oscar, n° 1 du box-office en France, aux Etats-Unis, en Angleterre… Sam Mendes prend presque un malin plaisir à briser l’aura romantique  du couple du Titanic tout comme il semble briser définitivement la frontière entre cinéma indépendant et grosses productions hollywoodiennes.

Qu’a-t-il bien pu arriver à ce couple si extraordinaire fait de rêves et d’idéaux (n’est-ce pas le destin hors du commun de Jack et Rose, passagers du Titanic ?)

 Il y a comme une sorte d’inexorabilité dans ce couple au nom prédestiné. Les Wheeler (roue en anglais, évoque l’idée de cycle, recommencement) semble condamner. Rien des moments heureux ne nous est montrés, ou si peu qu’ils semblent lointains, dans un passé révolu. Le film pose clairement la question de l’après. Une fois accomplit et construit l’unité familiale (deux enfants), le nid familial (petit pavillon de banlieue) ainsi que sa fonction sociale celle du travail (cadre dans une entreprise pour lui et ménagère pour elle) que reste t-il, une fois remplit le contrat social ?…Une vie aseptisée, conventionnelle et étouffante faîte d’illusions perdues, de rêves non accomplis et de frustrations.

John Cassavetes, Ingmar Bergman…et maintenant Sam Mendes, planqués derrière leur caméra, ont su, à leur façon, dire « je t’aime » à leur actrice fétiche. Des actrices qui ont partagés leur créativité artistique et dont le talent s’est épanouit pleinement dans les films de leur compagnon donnant vie à des œuvres singulières, des films en forme de déclaration d’amour. Un cinéma de l’émotion et du ressenti comme le cinéma hollywoodien nous en offre (bien) peu.  

Les plages d’Agnès, ce sont celles d’Agnès Varda, auteur à part entière de tous ses films (scénariste, chef-opératrice, réalisatrice, monteuse) et une des premières cinéastes féminines reconnues et dont le premier film en 1954 est considéré comme celui qui inaugura « la belle huître, la belle moule, la belle vague, la Nouvelle-Vague » avant les Truffaut, Godard ou Chabrol. Agnès Varda ou cette « hirondelle qui a annoncé le printemps de la Nouvelle Vague française » est  avant tout une autodidacte. Elle avouera que jusqu’à ses 25 ans, non cinéphile, elle n’a vu que 1O ou 12 films, n’aura pas fait d’école de cinéma mais fait surtout de belles rencontres.

Ce film c’est Agnès Varda par elle-même, le portrait de Varda par Varda : « Si on ouvrait les gens, on trouverait des paysages. Moi, si on m’ouvrait, on trouverait des plages… ».  Ces plages qui ont toujours donné un sens à sa vie. Les plages d’Agnès est une ballade à laquelle nous invite la réalisatrice pendant laquelle elle revisite sa vie, ses films, ses plages, celle de son enfance en Belgique, de l’île de Noirmoutier où elle possède une propriété, celle de la côte-ouest des Etats-Unis où elle a vécut avec Jacques Demy ( sous contrat avec la Columbia), ou encore Sète et son quartier des pêcheurs, la Pointe-Courte. La Pointe courte qui est aussi le titre de son premier long métrage  et qui révèlera  deux jeunes débutants  un Philippe Noiret aux « faux airs de Philippe Le Bel » et Sylvia Montfort tous deux du TNP (Théâtre National Populaire). Le TNP qui marquera ses débuts comme photographe, sa première passion, avant d’être réalisatrice. Issue de la  photo, elle aura toujours accordé au réel sa préférence.  Le cinéma de Varda c’est avant tout ce mélange étrange entre fiction et documentaire dont elle avoue ne pas faire de différence. Pour elle « l’essentiel est d’y croire, de croire en des  personnages de fiction authentiques et crédibles même si manipulés par la mise en scène, tout comme croire en ces glaneurs à quatre pattes par terre qui ne sont pas des acteurs et les faire découvrir à un public qui peut-être ne les aurait pas abordé. ». Dès son premier film, elle bouleverse ainsi les codes du cinéma traditionnel et annonce ses audaces formelles, un univers entre fiction et documentaire.  Elle qui a toujours su narrer poétiquement les gens et les lieux comme ce portrait original Jane B par Agnès V avec et sur l’actrice britannique, Jane Birkin, sous forme d’entretiens et de sketchs. Adepte de photos, de peinture, de collage et de calembours, Agnès Varda aime créer, recomposer, faire et défaire, construire, elle est passée maître dans l’art du collage et des associations d’idées.                                                                                                           Les plages d’Agnès est une sorte de fantaisie surréaliste, un patchwork d’histoires, un voyage dans le temps entre passé et présent.  Car Agnès Varda est une glaneuse, une glaneuse de cinéma pourrait-on dire, glanant des plans au hasard des rencontres. Glaner c’est filmer telle est sa devise  et ce, grâce à l’opportunité d’une caméra vidéo haute définition. Les idées, le montage naît au fil du film au cours de la réalisation, écrivant et inventant le film au jour le jour, « le hasard comme assistant ». Une improvisation possible grâce à l’apport de cette petite caméra numérique au coût relativement bas, sérieuse alternative au format professionnel et onéreux permettant d’entrer en relation avec chacune des étapes de la création du film (montage, mixage etc…) mais aussi avec ceux qu’elle aime tant, les autres, ces non-acteurs, non-professionnels.  Avec ce médium, Varda impose un tout nouveau rapport avec le sujet et une écriture directe et personnelle appelée « cinécriture » selon la réalisatrice.                                                       

          Elle a ainsi rencontré un peu partout en France des glaneurs et des glaneuses, «récupérateurs, ramasseurs et travailleurs ». Mais Varda est aussi « la glaneuse » du titre de ce documentaire subjectif qu’est les glaneurs et la glaneuse. Elle parle à sa caméra, nous parle avec elle.On la retrouve à nouveau dans ce dernier film dans son propre rôle entre documentaire et portrait intime avec des pointes autobiographiques : Varda se filme elle-même, scrute courageusement en gros plan ses mains abimées par la vieillesse tel un autoportrait, genre pourtant propre à la peinture et plutôt rare voire quasi inexistant au cinéma si on excepte le JLG/JLG de Jean-Luc Godard. Et même si pour le réalisateur suisse l’autoportrait reste « un genre pratiquement impossible » pour Varda c’est « être sans complaisance envers soi-même ». De retour sur ses plages tant aimés, Varda prend du recul sur son œuvre et sa vie avec un regard critique parfois. Sans narcissisme aucun, elle se filme devant sa caméra, ce miroir tendu face à cette silhouette et cette voix si familières. En tubercule modeste, elle déambule déguisée en « patate sonore » lors d’une création pour la Biennale deVenise…C’est avec beaucoup d’inventivité et d’humour aussi qu’elle évoque son enfance et ses amis : Chris Marker dit « le chat », Nathalie Sarraute et « son visage de sioux » (à laquelle elle dédia son film Sans toit ni loi), toute l’équipe de sa maison de production Ciné-Tamaris qu’on découvre sur une plage improvisée en plein Paris. Elle revient comme en pèlerinage dans ces lieux qui lui sont chers : comme  la maison de la rue de l’aurore à Bruxelles, celle de son enfance, aujourd’hui habité par un être étrange…appelé ferrovipathe ! Elle retrouve tous les participants et figurants du film La Pointe courte à Sète, tous enfants à l’époque.   Ce film est une invitation, celle de Varda qui nous embarque avec elle à Sète, cette ville entre « pont tournant » et « pont levant », et avec qui on  « monte comme si la France était verticale » à Paris à bord d’une petite barque.   Un film qui raconte tant de chose sur sa vie et ceux qui l’ont accompagné. Entre son combat pour l’émancipation des femmes, le Manifeste des 343 salopes, elle rend visite à ses  « chers fantômes », ces disparus  que sont Jean Vilar, Philippe Noiret, Gérard Philippe, Jim Morrison, mais aussi  « le plus chéri des morts » Jacques Demy, son compagnon de 30 ans, disparu emporté par une maladie encore honteuse et taboue à l’époque, le sida. Aujourd’hui,  Agnès Varda se compare volontiers à ce monsieur cinéma : « un petit vieux seul et espérant le soir recevoir des visites. C’est quand même mieux de vieillir à deux ».                     

 Ce soir, rencontre avec cette madame cinéma, doyenne des réalisatrices françaises,  à l’issue de son film au cinéma  le Comoedia à Lyon. C’est à une belle leçon de cinéma que nous convia la cinéaste et ce, malgré son extinction de voix et  face à une salle comble qui découvrait son film en avant-première. Que de modestie dans ce petit bout de femme  qui relativise son travail de metteur en scène en avouant simplement (à propos de son film Les créatures, un film-fantôme à se yeux car un échec auquel elle redonna vie en recyclant et glanant les bobines pour construire « sa cabane de cinéma » lors de l’exposition à la Fondation Cartier) : «j’ai peu dirigé Catherine Deneuve. Je ne peux pas dire que je l’ai dirigé. Elle a bien voulu rentrer dans mes films ». Agnès Varda c’est cela, cette simplicité à l’état pur. Madame cinéma, on vous remercie pour ce portrait à la fois émouvant et touchant, jubilatoire et surprenant et surtout on vous souhaite, une longévité aussi exemplaire qu’un Manuel De Oliveira et encore beaucoup « de balais»…

 

   

Attention, ovni à l’horizon ! Voir un film de Guy Maddin participe avant tout de l’expérience. Ses films hors-normes pour la plupart, notamment en matière de narration, sont en premier lieu des approches expérimentales originales. Guy Maddin est un autodidacte, réalisateur, acteur,  ingénieur du son, directeur photo et scénariste de tous ses films. Ce sont des films personnels, souvent des souvenirs d’enfance dont la narration non classique est bousculée, Filmés en images Super 8 tremblées et gonflées pour provoquer le grain, en noir et blanc, le tout de manière artisanale. Ses petits contes de fées  proches du muet semblent évoquer une époque révolue voire primitive celle des années 20. L’absence de paroles semble réhabiliter un cinéma trop vite abandonné à l’arrivée du parlant. Des films qui épousent une esthétique si ancienne qu’ils semblent nouveaux et résolument modernes. On se souvient du très insolite Saddest music in the world (2003) et de ce concours de la musique la plus triste du monde arrosé à la bière locale en pleine période de Depression, film- hommage à l’expressionnisme allemand de Murnau.

Des trous dans la tête défie les codes du cinéma narratif traditionnel ce qui pourrait le rendre, de prime abord, difficile d’accès. Ce qui est difficile avant tout, dans les films de Maddin, et celui-ci ne déroge pas à la règle, est de les résumer même si l’essentiel n’est pas là.

Guy Maddin revient 30 ans après dans la maison de son enfance située sur une île. Ce retour est l’occasion d’y retrouver une mère autoritaire, dominatrice et chaste. Guy Maddin convoque et revisite ses souvenirs d’enfance : son premier baiser, un père absent, inventeur de l’aérophone (système de communication à distance permettant à la mère de « pister » les enfants sur l’île), l’étrange orphelinat, les relations homosexuelles de sa sœur, une mère qui rajeunit…

 Si comprendre et suivre l’histoire  d’un bout à l’autre n’est pas chose aisée, ce cinéma ne se raconte pas, il  se vit, s’expérimente, se ressent. Il participe du rêve, de l’onirisme. Dans cette déconstruction narrative et temporelle, on pense au surréalisme et plus particulièrement au procédé d’écriture des cadavres exquis qui consiste pour plusieurs participants à composer des phrases à partir de mots proposés tour à tour, sans en connaître le précédent et ce, afin d’obtenir une véritable création aléatoire. Des trous dans la tête s’avère être une succession d’images bizarres, étranges et délirantes comme pour signifier ce personnage partagé entre folie, rêve et réalité.  

Les films de Maddin sont des films à petits budgets, de véritables  œuvres poétiques, lyriques , surréalistes et inclassables, à mi-chemin entre ceux de Matthew Barney (Drawing restraint 9) et ceux  du maître de l’étrange, David Lynch (plus particulièrement  Eraserhead ).

Fidèle à leur cinéma emprunt de réalisme, les frères Dardenne nous livrent avec leur dernier film, une nouvelle exploration des mystères de l'âme humaine.
Tels des chercheurs scrutant au microscope, ils soulignent les failles psychologiques de leurs personnages. Leur terrain de prédilection reste des personnages souvent marginaux,en manque d'argent, sans véritable position sociale.
Le personnage principal s'inscrit dans la digne lignée des personnages féminins propres au cinéma des réalisateurs  belges. Lorna, jeune immigrée albanaise travaille dans un pressing en Belgique.
Un mariage blanc contracté auprès d'un toxicomane lui permet d'obtenir la nationalité belge. Malgré son sevrage, le mari de Lorna rechute et finira par mourir. Veuve, elle se rend complice d'un trafic d'identité et propose contre rémuneration, le mariage avec un russe afin d'obtenir, à son tour, la nationalité belge.
Tels Rosetta ou bien encore le couple adolescent de L'ENFANT, Lorna est avant tout une victime sociale, celle d'une immigrée qui tente de s'intégrer dans une société, à une culture, qui n'est pas la sienne. Mais Lorna est aussi opportuniste et prête à tout afin de gagner de l'argent et donc pouvoir exister. Prise de remords, elle s'enfermera dans la culpabilité.
Pour les frères Dardenne, il est, en aucun cas, question de condamner ou encore de juger, mais seulement de dresser un portrait réaliste et humain, sans manichéisme. Issus du documentaire, les deux frères nous livre un véritable cinéma-vérité dans lequel les nombreux plans séquences permettent d'apprécier la justesse de jeu des comédiens et de "capter" au plus près cette vérité.
La réussite du film repose avant tout dans le choix de l'actrice principale. Une véritable performance pour elle, qui, quelques mois avant le tournage, ne parlait pas un mot de français!
Après Emilie Dequenne (Prix d'Interprétation Féminine à Cannes en 1999 pour Rosetta) et  Déborah François (formidable Sonia dans le film L'enfant), les cinéastes belges nous  révèle une jeune inconnue, Arta Dobroshi, originaire du Kosovo, qui crève littéralement l'écran et réussit à porter totalement le film sur ses épaules.
Une révélation!!!!!!!!!!
Lorraine.A.Lambinet